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La artista finlandesa Kaarina Kaikkonen presenta su instalación Touching the sky /Tocando el cielo, realizada específicamente para el Patio de Operaciones de CentroCentro Cibeles.

Kaarina kkonen (1952) es conocida por sus instalaciones site specific. Sus obras traspasan las fronteras entre escultura, instalación y arquitectura y son, a la vez, modestas y monumentales. Son de gran escala pero de materiales cotidianos, como ropa de segunda mano, zapatos, papel higiénico, etc.

La gran instalación en CentroCentro se despliega desde la cuarta planta hasta el patio principal. En este caso Kaikkonen ha utilizado prendas de ropa que se han recogido desde el pasado verano, con la colaboración de la ONG Humana.

Este proyecto, el primero que Kaikkonen realiza en España, se incluye dentro del programa paralelo de ARCO Focus Finland y es posible gracias a la colaboración de CentroCentro, Frame, Galerie Forsblom y el Instituto Iberoamericano de Finlandia. Se podrá ver hasta el 31 de agosto.

Por otro lado, CentroCentro presenta FEMINIS-ARTE II, una muestra de videoarte de mujeres artistas desde una perspectiva de género. la muestra recoge esta pluralidad temática y discursiva, dando continuidad a la edición celebrada el año pasado en estas mismas salas. En esta ocasión, la muestra reúne la obra de 18 videoartistas, procedentes de Bolivia, Brasil, Costa Rica, Cuba, Ecuador, España, México, Suecia, Suiza y Turquía.

Todos ellos evidencian aquella variabilidad de planteamientos y de opciones creativas, de ópticas y de discursos. Simultáneamente quedan sujetos a unos parámetros comunes centrados en la mujer y su situación de supeditación en las diferentes sociedades -sobre todo en el mundo urbano- así como en la asignación estereotipada y determinista de identidades genéricas a hombres y mujeres por parte del sistema. A través de las propuestas plásticas seleccionadas queda patente la pertinencia de nuevas visiones y la viabilidad y exigencia de alternativas al statu quo y modus vivendi imperantes.

La Casa Encendida de Fundación Caja Madrid acoge al artista Dan Graham en el marco de las conferencias ARCOmadrid Artists’ Talks, una iniciativa de ARCOmadrid que tiene como objetivo generar un espacio de reflexión alrededor de obras presentes en la feria mediante diálogos transversales con los artistas. La obra de Dan Graham ocupará el stand de la Galería Nicolai Wallner en ARCOmadrid y el propio artista estará en el Auditorio de La Casa Encendida para hablar de su proceso creativo.

Dan Graham (Urbana, EE. UU., 1942) explora la simbiosis entre los espacios arquitectónicos y sus habitantes. Su práctica artística combina el comisariado, la escritura, la performance, la instalación, el vídeo, la fotografía y la arquitectura. Su compromiso crítico se manifiesta a través de los pabellones de cristal y espejo que desde la década de los años setenta ha realizado en diferentes lugares del mundo. Estos instrumentos para el reflejo –visual y cognitivo– activan la presencia del espectador produciendo una sensación de alienación psicológica a través de un constante juego entre la inclusión y la exclusión. Esta investigación de los distintos criterios para modificar la percepción también le lleva a centrar su atención en el vídeo. Mediante el uso de un sistema de circuito cerrado implica activamente al espectador, introduciéndole en la obra como elemento vital para su realización.

Dan Graham vive y trabaja en Nueva York. Ha tenido exposiciones retrospectivas en el MOCA de Los Ángeles (2009), Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turín (2006), Museu Serralves, Oporto, (2001), Museum of Modern Art, Oxford (1997), Van Abbemuseum, Eindhoven, (1993), Kunsthalle Berne (1983) y en Renaissance Society, University of Chicago (1981). Ha participado en dOCUMENTA 5, 6, 7, 9 y 10 (1972, 1977, 1982, 1992 y 1997) y su obra forma parte de las colecciones de numerosos museos internacionales. En 2010 fue nombrado miembro de la American Academy of Arts and Letters.

La conferencia podrá seguirse en directo en streaming a través de la página web de La Casa Encendida.

Fecha: 18 de febrero
Hora: 18:00 - 20:00
Lugar: Auditorio
Entrada: gratuita hasta completar aforo (Recogida de invitaciones desde dos horas antes)

Fundación Mapfre presentan en su Sala Azca y bajo el comisariado de Nuria Enguita Mayo, una exposición de la fotógrafa Lynne Cohen.

Lynne Cohen (Racine, Wisconsin, 1944) es una artista Canadiense -se nacionalizó en 1980- que lleva casi medio siglo en la vanguardia de la práctica fotográfica. Su obra nos muestra los interiores de diversos lugares cuya tipología ha ido variando con el transcurso de los años; desde espacios íntimos como las salas de estar de sus vecinos, pasando por salones de baile, clubes privados, aulas y spas, hasta espacios de acceso restringido como instalaciones militares, laboratorios o campos de tiro. En todos ellos vemos los rastros de la presencia humana, ya sea la perfecta simetría en la colocación de elementos ornamentales como en Living Room, Racine, Wisconsin (1971), o las manchas de las balas de pintura en Untitled (Balloons) (2007). Sin embargo, la artista nunca fotografía personas.

Cohen prefiere que el espectador no tenga indicio alguno que condicione su lectura de la obra, que sea esa ausencia precisamente la que permita imaginar las historias y vivencias de los habitantes invisibles de estos lugares. Por esta razón Cohen también fué reticente a la hora de fechar y titular la obra, pretende así evitar que esa información condicione el relato que el espectador pueda construir.

Los lugares objeto de su estudio también son muy ambiguos; habitaciones que parecen museos, salas de espera que parecen instalaciones, spas que parecen morgues u hospitales, simuladores que parecen juguetes e interiores que parecen exteriores. Todo ello contribuye a crear un ambiente casi espectral, un nerviosismo palpable, una amenaza, como si estuviera a punto de ocurrir algo. Quizá ya haya ocurrido. A pesar de la evidente teatralidad que encontramos en su obra, Lynne Cohen fotografía los espacios tal y como están, sin tocar nada, y nunca sabe lo que se va a encontrar a priori. La artista relata que esa es parte de la emoción cuando busca localizaciones: la sorpresa de encontrarse una escena maravillosa detrás de una puerta que a primera vista puede parecer mundana.

Cohen empezó trabajando en un formato más pequeño que el actual, y en blanco y negro. El giro al gran formato y al color permite a la artista mostrarnos más detalles. Esto invita al espectador a “entrar” en la escena, a ser parte de ella, a palpar los materiales y las texturas y notar los olores que, según la artista, emanan los lugares que fotografía.

A través de 86 obras, esta exposición narra la evolución de la mirada singular de Lynne Cohen y ofrece al espectador una inmejorable oportunidad para visitar los espacios que esta artista ha fotografiado durante su dilatada carrera. La temática del camuflaje, la mimesis, la decepción y el control -ya sea a través de los muebles de aglomerado, las moquetas que parecen césped, los papeles pintados, las cámaras de vigilancia o los mismos espacios- está presente desde el principio.