NOTICIAS

La Fundación Juan March presenta, hasta el 1 de marzo, otra de las pequeñas muestras de gabinete ya habituales durante el mes de febrero, Tres escultores ingleses (1952-1982) -surgida del trabajo sobre el arte británico que culminó, en 2012, con la exposición La isla del tesoro. Arte británico de Holbein a Hockney- quiere destacar la obra de tres artistas tan relacionados entre sí como diversos, y sin los que la escultura del siglo XX no se entendería.

Reúne unas pocas obras de Henry Moore, Barbara Hepworth y Anthony Caro, que, con su contundente presencia plástica, consiguen presentar tanto la renovación escultórica que tuvo lugar en Gran Bretaña a partir de los años treinta y hasta hoy como las dos maneras de abordar la práctica escultórica: el camino clásico de la escultura de masa y volumen y la plástica del assemblage, en la estela de las investigaciones inicialmente propuestas por el trabajo pionero de Pablo Picasso y Julio González en 1928.  

Cuando el mayor de los tres, Henry Moore comenzó sus estudios en 1919 en la Leeds School of Art fue el primer estudiante de aquella escuela que quiso dedicarse a esta práctica artística. Aunque en el arte británico existía una tradición escultórica previa de corte realista y academicista -con la excepción de Jacop Epstein y el prematuramente desaparecido Henri Gaudier-Brzeska que, con su llegada a Gran Bretaña, afianzaron el desarrollo de las propuestas cubistas- fue Henry Moore quien llevó la escultura a una vía de experimentación completamente renovadora y tanto su obra como su enseñanza tuvieron consecuencias decisivas para la evolución de este medio artístico a partir del período de entreguerras. En líneas generales, su producción evolucionó desde una primera época arcaizante, relacionada con las influencias del arte primitivo, hasta obras de formas onduladas en las que, a partir de 1933, horada la figura para dar entrada al hueco y al vacío, comunicando entre sí las superficies de la masa escultórica.

Paralelamente, su compatriota y amiga Barbara Hepworth desarrolló también una obra escultórica innovadora. Conoció a Henry Moore como estudiante en la Leeds School y ambos mantuvieron de por vida una estrecha amistad. Hepworth evolucionó rápidamente de una escultura figurativa de rasgos primitivistas a una producción abstracta. La fascinación por el material, la textura y la forma -que tomó de Brancusi, al que visitó en su estudio parisino ya en 1932- protagonizan su obra que, al igual que la de Moore, se caracteriza por formas redondeadas, sinuosas y el juego de los vacíos del espacio escultórico.

Las dos obras de Anthony Caro pertenecen a una misma serie, Table Pieces [Piezas de mesa], iniciada en los años sesenta, en la que el artista desarrolla las múltiples posibilidades existentes bajo el común denominador de una mesa como soporte. Aunque datan de momentos distintos -una de ellas es de 1975-76 y la otra de 1982-83-, Caro utiliza en ambas el ensamblaje como medio de construcción, y el acero, que deja desnudo y desprovisto de color, de modo que su calidad y grado de oxidación sirvan de aglutinante visual de las partes que lo integran.

Foto: Barbara Hepworth, Figure in a landscape (Zennor) [Figura en un paisaje (Zennor)], 1952. Colección particular. © Bowness, Hepworth Estate
 

La Zinemateka de AlhóndigaBilbao dedica un ciclo a Roberto Rossellini, uno de los principales representantes del neorrealismo y maestro del cine moderno europeo.

En ‘Viva Rossellini!' se proyectarán 18 de los títulos más importantes de su filmografía, muchos de los cuales fueron el punto de arranque del cine moderno que después desarrollarían cineastas con Antonioni, Cassavetes, Bergman o los maestros de la Nouvelle Vague.

En el trabajo de Roberto Rossellini es común la ‘inocente' búsqueda de las grandes verdades de la humanidad: está detrás de sus películas más célebres, las más complejas y las más criticadas; las que se centraban en la terrible situación de su país tras la Segunda Guerra Mundial, pero también las que apuntaban con la precisión de un cirujano hacia las grietas en la confianza de una pareja. Rossellini es tan importante, no por haber sacado las cámaras a las calles de Roma para recoger lo que había de verdad en ellas tras la victoria aliada, sino por tratar en todo momento de poner al espectador ante la realidad.

El recorrido de este ciclo se inicia con dos de sus grandes películas, frecuentemente definidas como fundacionales del movimiento Neorrealista (‘Roma, città aperta' y ‘Paisà'), para finalizar poco antes de que Rossellini operara en su carrera un nuevo giro hacia producciones para la televisión. 

Del 4 de febrero al 16 de abril.
 

La Fundación Canal presenta la exposición GIACOMETTI. El hombre que mira, un ambicioso proyecto coproducido por la Fundación Canal y la Fundación Giacometti, que incluye un centenar de obras entre una importante cantidad de dibujos y un selecto grupo de esculturas, todos ellos en torno a la figura humana, una constante en la obra del artista, y a la mirada, que para él es el alma y la esencia de la vida del ser humano.  

La exposición se divide en seis secciones cuyo orden se ha establecido como guiño a su constante preocupación por la aproximación del artista a su modelo: “Cabeza”, “Mirada”, “Figuras de medio cuerpo”, “Mujer”, “Pareja” y “Figuras en la lejanía”.

Las dos primeras salas, dedicadas a la “cabeza” y a la “mirada”, muestran cómo las cabezas y los cuerpos se convierten en esculturas frágiles cada vez más reducidas. Las caras de los modelos desaparecen bajo las líneas de un cráneo universal repetido de memoria. En sus dibujos la mirada es tratada de forma individual, pero también como un todo que represente al modelo, al que intenta captar en su totalidad.

Las otras cuatro secciones exploran su relación con el cuerpo humano: las figuras de medio cuerpo y las pequeñas figurillas ilustran su particular percepción de la distancia física entre el artista y su modelo, y de los conceptos de “mujer” y de “pareja”.

La exposición también muestra la influencian del clasicismo en su obra. Giacometti fue introducido desde su juventud a los temas “clásicos” de la figura humana, que él trataría a lo largo de su vida con una continuidad sorprendente para un artista del siglo XX. En todas las etapas de su vida, en las que pasó por las formas del naturalismo, del cubismo y del surrealismo, para después concebir esa estética figurativa tan personal que lo hizo célebre entre el gran público, el artista articuló su investigación en torno a una noción primordial: la mirada, la visión.