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El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo presenta la exposición El presente en el pasado. La muestra, que se enmarca en la programación conmemorativa del 25 aniversario del CAAC, indaga cómo el presente se encuentra en el pasado mediante diálogos y confrontaciones de obras de dos colecciones: la colección del patrimonio de la antigua Cartuja de Santa María de las Cuevas y la colección de arte contemporáneo del CAAC.

Así, en esta exposición se vuelve a instalar en su espacio original, la antigua iglesia, la magnífica sillería barroca realizada por Agustín de Perea y Juan de Valencia del siglo XVII, en este caso enfrentada a piezas de artistas contemporáneos como Adreas Fogarasi, Reinhard Mucha o Andrea Blue, todos ellos dispositivos para ver, ser vistos, cantar o escuchar. Se da la circunstancia de que es la primera vez en más de un siglo que la sillería vuelve al lugar original para el que fue diseñada, dado que fue retirada de la antigua iglesia por Charles Pickman al comprar la Cartuja para instalar en ella la fábrica de cerámica a mediados del XIX.

En otras estancias, como la Capilla de Colón, los cuadros del José Manuel Broto rodean las piezas de imaginería policromada del escultor Pedro Duque Cornejo del siglo XVIII, mientras en la Capilla De profundis, el Calvario de Villoldo del siglo XVI dialoga con una obra de Tàpies, pieza que, primera obra que formó parte de la colección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo.

El profesor norteamericano Andreas Huyssen ha señalado cómo en las últimas décadas se ha producido en Occidente un deslizamiento que privilegia la mirada hacia atrás frente a la que ponía el foco en las transformaciones que estarían a punto de llegar. Si la Modernidad fue impulsada por lo que podría denominarse como “futuros presentes”, la Postmodernidad estaría caracterizada por los “pretéritos presentes”.

La exposición El presente en el pasado recorre toda la denominada como Zona Monumental del antiguo recinto cartujo, realizándose un permanente diálogo entre la obra histórica y la contemporánea. Como señala el historiador Andreas Huyssen, “la memoria siempre es transitoria” y, en tanto que cuestión pública, “está sometida al cambio político, generacional e individual“. 

El centro de Arte Alcobendas presenta la exposición Raw Approach del artista español Maíllo (Madrid 1985). Comisariada por Tiago de Abreu Pinto, está articulada alrededor de una instalación a modo de evidence board (formado por pinturas, dibujos, esquemas, pruebas de color, notas, lienzos, apuntes, entre otros) que explora las diversas posibilidades de engendrar investigaciones ontológicas y existenciales en relación al cuerpo y a sus procesos mentales.

La investigación, que se ramifica en una anatomía de ruidos diversos, es un aspecto esencial en la poética de Maíllo. Las imágenes en sus pinturas funcionan como pensamientos que se articulan en relación al mundo que nos rodea, lo que los alemanes llaman Unwelt, con el fin de trazar su mapa ‘hodológico’ – constituido de movimientos de vías dirigidas psicológicamente, las dinámicas de las relaciones y el comportamiento personal ante las barreras del entorno-. El artista, a través de la pintura, reflexiona sobre sí mismo y sobre el mundo haciendo patentes fuerzas invisibles. Él entiende la pintura como motor de pensamiento. Pensamientos, en forma de pinturas, que se convierten en diagramas y mapas conceptuales sobre cuestiones políticas, sociales y culturales.

El título de la exposición, traducido como acercamiento en crudo, hace referencia a la multiplicidad de significados que reside en la palabra raw – crudo, en carne viva, bruto, puro, franco – y sus distintas interpretaciones al asociarla a la postura que tiene el artista al enfrentarse a la vida. Además, su sonoridad, como los demás títulos utilizados por el artista en pasadas exposiciones y obras, se acerca al ámbito de la música, como el jazz y el hip-hop. Su título es también una de las claves para entender la pieza central de la exposición. Un análisis cercano podría poner en evidencia en el cuerpo-biológico, en el cuerpo-cosa, del mapa conceptual Evidence Board (2015) una estructura rizomática llena de territorios parcialmente volubles. Este es el espacio donde escuchamos al artista. Vemos agrupados los distintos puntos de referencia que él utiliza para desarrollar sus obras. Los distintos cuerpos imagéticos y textuales forman parte de una multitud concreta donde todos los elementos afectan por consiguiente a los otros y continuamente son afectados por ellos mismos en un delirio, una locución sin respuesta. Esas masas de conceptos e ideas se definen por su potencia de afectar y/o ser afectados.

En las paredes podemos ver pinturas finalizadas de pequeño y medio formato que presentan puños –símbolo principalmente utilizado por activistas y grupos como los movimientos feministas, el Partido Pantera Negra, Occupy Wall Street, el movimiento Nothern Soul, entre muchos otros– que hacen referencia a la unidad, a la fuerza y a la resistencia. Los puños forman parte de una serie de dibujos anatómicos que Maíllo realiza sin disponer de una referencia visual. Su desarrollo ocurre cuando el artista a través del aprieto de su mano se centra en la sensación de este estímulo. Por eso se le rebasa por todas las partes de la obra una carga emotiva traducida por el apretón de la carne de su mano, el balanceo de su ritmo respiratorio, el aumento de su tono muscular, su tensión y ritmo arterial, su energía desprendida al realizar este movimiento mecánico duradero y el incremento de los intercambios bioquímicos mezclados con una multitud de acontecimientos psíquicos. Estas obras son trasunto de los esquemas conceptuales –como el plasmado en el evidence board– y funcionan también como bosquejos de sensaciones y emociones – que van desde un dolor emocional o físico hasta una tristeza pasiva o un miedo activo. Estos dolores y emociones vuelven a cada instante al objeto emocionante y se alimentan de él en una síntesis eterna. No obstante las obras de Maíllo rompen esta unión poniendo sujeto emocionado y objeto en un estado abierto al espectador. Juntas, estas pinturas forman el complejo y cacofónico tejido psicogeográfico del artista en su búsqueda incansable de cartografiar al sujeto que se pierde y transfigura entre las fricciones urbanas del día a día.  

La galería Joan Prats presenta Nidal, la primera exposición de Victoria Civera en este espacio, que reúne una serie de objetos y dibujos realizados durante los últimos años por la artista.

Nidal* describe simbólicamente el modo de pensamiento de Victoria Civera en su proceso de trabajo, aportando un orden de ritmo y movimiento a sus piezas, que crecen lenta y azarosamente, tejiendo una infinita membrana, hecha de materiales, objetos, superficies, color y pieles diferenciadoras, como si se tratara de palabras aisladas.

Su desarrollo es una reflexión sin pausa, entre silencios y susurros, donde Civera parece invitarnos a un viaje, a una experiencia concéntrica, fundamentada en una lógica de pensamiento poético, donde la artista se encamina al encuentro de la frase, suceso, sujeto y obra. Mezclando vocabularios e hibridando lúdicamente sintaxis, exponiendo quebraduras donde figuración y abstracción desbordan sus fronteras convencionales, su obra crece hilvanando fricciones y sentidos, enfrentándose a su infancia y recreándola, con reflexión, drama y humor.

* Creación, deseo, ilusión; principio, fundamento, motivo de que suceda o prosiga algo: creencia. Refugio, interior, casa, pensamiento, introspección, doble espejo.