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El Anexo del MARCO, un lugar que desde 2015 se convirtió en sala de proyectos, estrena un nuevo ciclo expositivo.

Siguiendo uno de los signos distintivos del MARCO, la línea de programación del Anexo pone especial énfasis en la producción propia, tanto en lo que se refiere a las obras en sí -nuevas producciones realizadas específicamente para este espacio- como al comisariado -ciclos de exposiciones con periodicidad anual. En esta ocasión, y a lo largo de 2016, la crítica de arte y comisaria Chus Martínez Domínguez presenta el ciclo PROBLEMÁTICAS. Artistas en el relato incompleto.

Tomando como punto de partida las circunstancias y realidades problemáticas que se producen en la interacción entre las artistas y el sistema del arte, este ciclo plantea, a través de cuatro proyectos específicos, diferentes cuestiones de la teoría y la práctica artística, concretando las investigaciones, conceptos y poéticas sobre las que giran los trabajos de cada una de las participantes.

Un programa articulado en las propuestas de Mónica Cabo (Oviedo, 1978), Pascuala Campos de Michelena/Ana Gallego Palacios (Jaén, 1938/Cáceres, 1975), Xisela Franco (Vigo, 1978) y Elena Blasco (Madrid, 1950), creadoras de distintas generaciones procedentes de las artes visuales, la arquitectura y el audiovisual, que tejerán relatos y acciones particulares en torno a la representación, la identidad, la política y el territorio, desde una perspectiva no exenta de humor y crítica, de subversión y memoria. Apenas algunas cuestiones de un largo discurso sobre el trabajo de las artistas que siempre parece dispuesto, o impuesto, en un estadio inacabado, en construcción y reivindicado.

El Anexo del MARCO se convierte en metáfora idónea de los espacios en los que demasiadas veces operan las creadoras; en los márgenes, en la resistencia, en los recovecos del sistema. Este proyecto, sin embargo, quiere volver a preguntar e insistir en esos lugares, transformarlos en relatos guionizados por las propias artistas, enfrentándose a ellos como un escenario en el que proponer nuevas realidades, reaccionando frente a aquellas circunstancias que las limitan, condicionan y vulneran. Reflexiones transversales en forma de acciones desde una actualidad en la que la cuestión de género sigue siendo problemática.

Mónica Cabo
There Will Be a Sea Battle Tomorrow
Mónica Cabo se fija en la normalidad. No en cualquiera; en aquella que resulta peligrosa por su planteamiento. La artista sospecha de los modos en los que codificamos, agrupamos y valoramos la vida. La suya y la del resto. Paradoja sistemática con la que aproximarnos a la realidad, siempre escudriñándola para reducir cualquier forma de incertidumbre; etiquetando nuestros deseos, comportamientos y rutinas. Una relación de compartimentos estancos favorecidos por una escenografía que a la artista le resulta tan problemática como determinante y atractiva de cara a la activación del arte.

Sus obras logran alcanzar al espectador. Lo introducen en un juego subversivo, para forzarlo a encarar sus conflictos lejos de la coherencia de su experiencia en el mundo, desembocando en una nueva perturbación. El proyecto específico para el MARCO propone una tesis estructurada alrededor de cuestiones coincidentes en trabajos anteriores -integradores de experiencias políticas y sociales, lúdicas, sexuales e identitarias- que, sin embargo, obligan a interpretarlas ahora desde un lugar complementario.

There Will Be a Sea Battle Tomorrow toma su título de una proposición de Aristóteles sobre el futuro contingente: “mañana habrá una batalla naval/mañana no habrá una batalla naval” a partir del cual, la artista crea un sugerente paisaje alrededor de la idea de posibilidad. De este modo, la ilusión se vuelve a colar en su trabajo como concepto, pero en esta ocasión más próxima a la fatalidad. El Anexo se anega de necesidad pero nada en él es necesario. Articulan el espacio cuatro piezas que existen en una eventualidad que actúa fuera, contra y desde cada objeto. La escultura, una bicicleta ensimismada en su duplicidad especular; el vídeo con la escena de un secador colgado de su cable que golpea de lado a lado cuando se activa; el andamio, instalado sobre pequeñas peanas de madera, sirve de cuerpo para colgar un pañuelo de tela.

Cuatro obras con las que logra crear un presente accidental que increpa al futuro. ¿Ciertamente éste tendrá lugar? La respuesta parece angustiosamente lejana, abstracta en el circunstancial aislamiento de las representaciones; golpeando en el ilógico cuerpo de la bicicleta, en la repetición del imprevisible secador, en la erótica del pañuelo, en la inactividad del andamio, con el fin de desencadenar una serie de asociaciones en confrontación. Ser inquietantes, imperfectos, simbólicamente negros, irónicos con el propio espacio. El relato se asimila desde la certeza y la simulación, quizás entendido como metáfora del sistema del arte. También de la propia artista autorretratada en el inquietante vídeo Self Portrait (2013); trasponiendo su propio cuerpo colgado de un hilo, en riesgo.

La exposición alterna momentos de dinamismo y de quietud que sitúan al público en un estado de ansiedad y de extrañeza frente a lo anómalo/desconocido, con la inestabilidad y la tensión propias de una acción que no existe más allá del propio gesto en que se realiza: igual que acontece con el sexo, con el género, con una discusión, con el acto creativo. Mide estructuras ambiguas e imprevisibles. Piezas que añaden un cierto humor a situaciones cotidianas, que se ensayan y se representan para revelar la conexión de mundos distanciados, en las que la cuestión de género sigue siendo el telón de fondo como metáfora política de cualquier práctica generada fuera de la línea marcada como “normal”.