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Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta PIGS, una exposición que «pretende reflejar un paisaje político cargado de cinismo, que se desprende del discurso paternalista –cargado de clichés y de superioridad– de los países del Norte de Europa sobre los países del Sur».PIGS, acrónimo de Portugal, Italia, Grecia y España (Spain), es un término peyorativo acuñado por los medios financieros anglosajones, alusivo a un cuestionable «milagro económico» pero con connotaciones sociales y culturales adicionales. La comisaria Blanca de la Torre ha reunido a una veintena de artistas de estos cuatro países para hablar «con ironía y subversión de las implicaciones sociopolíticas de la crisis y sus raíces culturales, de un relato dentro de Europa cargado de paradojas, de una idea paneuropea fracturada». PIGS es una producción internacional de Artium, Centro de Arte Contemporáneo de Tesalónica (Grecia), Galeria Municipal de Porto (Portugal) y Es Baluard.

PIGS (ocasionalmente PIIGS, si se incluye a Irlanda) es un acrónimo popularizado por el Financial Times en un artículo publicado en 2008, aunque ya había sido utilizado anteriormente por otras publicaciones como The Economist, The Times o Le Monde. Se trata de un término peyorativo, vinculado a la expresión inglesa «flying pigs» en referencia a algo imposible o irreal, en este caso el milagro del crecimiento económico de estos estados en la Europa del euro.

Sin embargo, el término ha adquirido otras connotaciones, referidas a tópicos culturales y sociales respecto a las diferencias entre el Norte y el Sur europeos. En ese sentido, Blanca de la Torre se pregunta si «¿acaso no podemos sugerir que dentro de la propia Europa se están utilizando estrategias discursivas neocoloniales en dirección norte-sur para ampliar la brecha en el imaginario cultural? ¿Acaso no se está utilizando la supuesta incapacidad de alcanzar los objetivos marcados por la austeridad alemana como excusa para justificar un tipo de segregación basada principalmente en estereotipos culturales?»

Con una selección de una veintena de artistas de los cuatro estados aludidos, la exposición trata de dibujar «un paisaje político cargado de cinismo, que se desprende del discurso paternalista –cargado de clichés y de superioridad– de los países del norte de Europa sobre los países del Sur». PIGS es, en definitiva, «una mirada crítica a nociones como la democracia, la ética institucional, las estrategias de control que dominan la subjetividad colectiva…, y a través de sus obras se ofrecen otras posibilidades, otras visiones, otro prisma para alterar los órdenes establecidos. PIGS habla con ironía y subversión de las implicaciones sociopolíticas de la crisis y sus raíces culturales, de un relato dentro de Europa cargado de paradojas, de una idea paneuropea fracturada, y de lo que implica la falsa construcción de esta para los cuatro países en cuestión».

Dado el ámbito geográfico designado en el acrónimo, PIGS forma parte de un proyecto más amplio, que comienza en Artium pero que evolucionará a su llegada a los cuatro países protagonistas de la muestra, modificando en principio la selección de artistas en cada sede. Por otra parte, ha sido concebido como un proyecto vivo que no solamente incluye exposiciones, sino también un apartado teórico, talleres y actividades paralelas en los países implicados. 

El Museo del Prado presenta, bajo el comisariado de Andrés Úbeda, (jefe de Conservación de Pintura Italiana y Francesa del Prado) y Dimitri Salmon (Museo del Louvre), la exposición Georges de La Tour. 1593 - 1652. 

La personalidad artística de Georges de La Tour ha sido descubierta recientemente. Poco se sabe de su primera formación en la ciudad católica de Vic-sur- Seille, en la Lorena francesa, que debió concluir hacia 1610, en torno a los 17 años. La documentación posterior lo muestra como un pintor acomodado en lo económico, desabrido en lo personal y reconocido en lo profesional, alcanzando en el culmen de su carrera el nombramiento de pintor de Luis XIII.

La Tour vivió en un momento crítico para la historia de la Lorena que finalizó con la pérdida de la independencia política del ducado. En estas adversas condiciones concibió una pintura dotada de lirismo sorprendente, sobre todo en sus escenas nocturnas, casi todas ellas religiosas. Son pinturas de colorido casi monocromo y formas monumentales, impregnadas de soledad y silencio.

A pesar de las dudas sobre la cronología de sus pinturas, no se cuestiona que las más realistas son las primeras en el tiempo, las cuales debieron pintarse en los últimos años de la segunda década del siglo XVII. Fue entonces cuando pobló sus pinturas de personajes sagrados de aspecto tosco, como los que integran el Apostolado de Albi, del que se pueden ver cuatro ejemplos en la exposición; mendigos harapientos, como los Comedores de guisantes de Berlín, o músicos callejeros miserables y pendencieros, presentes en la Riña de músicos (Los Ángeles). Mención aparte merecen un Viejo y una Vieja de San Francisco, de carácter más refinado, y el Pago del dinero, su primer nocturno conocido.

A partir de la tercera década del siglo XVII su técnica evoluciona, con pinceladas más planas y acuareladas y pinturas más luminosas, haciendo que su originalidad y virtuosismo alcancen su máxima expresión en las escenas diurnas. Además, los tipos físicos representados se dulcifican y las acciones que llevan a cabo se serenan y dignifican. Sorprende su obsesiva repetición de tipos, como San Jerónimo penitente (Grenoble y Estocolmo) o los Tramposos (Forth Worth y París), así como las numerosas versiones de tañedores de zanfonía o Magdalenas.

En los dos primeros casos las composiciones son muy parecidas, mientras en que los otros dos, cada cuadro presenta una interpretación original, que retoma en momentos sucesivos de su vida.

Sin que haya sido posible explicarlo convincentemente, la producción final de La Tour está protagonizada por pinturas nocturnas de carácter religioso. Sus célebres “noches”, de aparente simplicidad, silenciosas y conmovedoras, dan vida a personajes que surgen con magia en espacios sumidos en el silencio, de colorido casi monocromo y formas geometrizadas. La total inexistencia de halos u otros atributos sacros, así como los tipos populares empleados, justifican la lectura laica que a veces se ha hecho de sus nocturnos en obras como La Adoración de los pastores del Louvre o El recién nacido de Rennes.

Al final de su vida aparece como residente en Luneville, respetado por la comunidad y con envidiable posición social y económica.