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La Galería Fernando Pradilla arranca la temporada con la inauguración hoy de la exposición Años 30 de Germán Gómez  Una vez más, la exploración y exteriorización de su intimidad se erige en protagonista de la obra: todo un recorrido emocional a través de la memoria y los recuerdos compilados durante una década de su vida. Germán Gómez entiende la expresión creativa como el único camino posible para revelar lo más profundo de sí mismo, sus afectos, su dolor, aquello que lo emociona o lo desalienta, que le impulsa a seguir adelante, o a detenerse y mirar atrás; de eso justamente habla Años 30, una elocuente recopilación de capturas de aquellos momentos que han significado algo en los últimos diez años de su vida, un período que ha acumulado alegrías y desdicha, éxitos, decepciones, la pérdida de personas a las que ha querido; el descubrimiento de amigos, lugares, obras de arte, canas y algunas arrugas.

Esta recuperación de recuerdos, de introducción de elementos autobiográficos en su obra, se asienta sobre una existencia vivida que luego ha sido recreada, y Germán lo explica cuando afirma que las imágenes seleccionadas parten todas de la realidad, pero el hecho de tener diferentes formatos y técnicas, que van desde la imagen fotográfica pura, hasta la manipulación de ésta mediante dibujo o collage, pretenden negar o desmentir esa realidad a través de la distorsión o la manipulación directa de las imágenes, convirtiéndolas en obras únicas, algunas con grandes vínculos pictóricos e incluso, escultóricos. El universo de historias y temas que habitan su trabajo está dominado por lo que Germán Gómez ha reconocido como sus grandes pasiones: el retrato, el paisaje, las naturalezas muerta, la arquitectura… Y por supuesto, la historia del arte.

El artista ha concebido este proyecto como una instalación fotográfica, una línea temporal, algo abarrotada, entre una sala de gabinete del siglo XIX y una secuencia de imágenes proyectadas. El pretendido desorden no marca una jerarquía de lectura; es el que mira quien decide qué verá primero. En este modo de mostrar las obras, la imagen individual parece no jugar un papel importante si no es porque está rodeada de otras; se trata de la fotografía en sí misma, pero también del lugar que ésta ocupa en el espacio expositivo que, lejos de ser espontáneo e inmediato como podría aparentar, está cuidadosamente estructurado y diseñado.

La Galería Elvira González inaugura la temporada con la inauguración hoy de la sexta exposición en la galería del escultor Juan Asensio (Cuenca, 1959).

Inicialmente la escultura de Asensio podría enmarcarse dentro de la abstracción geométrica con referencias al constructivismo, racionalismo y minimalismo; sin embargo, hace ya unos años el interés del artista por la geometría en la naturaleza hizo que el trabajo tomase una deriva hacia una mayor organicidad.

Esas primeras esculturas sencillas de geometría exacta y de gran austeridad expresiva han ido evolucionando hacia obras en las que de manera explicita se evocan formas sencillas, hojas o tallos, aunque manteniendo su estructura geométrica ya que parten de formas elementales como el prisma, la esfera o el cilindro.

En la exposición, que podrá visitarse en la Galería Elvira González hasta finales de octubre, Juan Asensio muestra trabajos realizados en diversos materiales como mármol, arenisca, granito, aluminio y acero. En las obras realizadas en piedra se aprecia un gran contraste entre la densidad y el peso propio del material con la sensación de levedad que aportan las formas orgánicas a las obras.

Para esta muestra Asensio ha realizado una serie de esculturas en acero formadas por elementos de estructura simple pero en que los que se sintetizan los pilares en los que se asienta y de los que se nutre su trabajo: geometría y naturaleza. Estos elementos simples van formando grupos, construyendo estructuras más complejas a modo de colonias que invaden las paredes y las esquinas del espacio de la galería de una manera aparentemente aleatoria. Evolucionan solapándose unos con otros como lo hace la hiedra o como lo haría una colonia de hongos o bacterias.

La galería àngels barcelona inaugura mañana la rimera exposición individual de Mireia c. Saladrigues (Terrassa, 1978) en su espacio. Su proyecto, que concluirá a finales de temporada, en junio del 2013, aborda las características específicas del público de la galería: cuales son los filtros que lo destilan, cuál ha sido su aprendizaje previo y como la disciplina y la autoridad influyen sobre su cuerpo y comportamiento.

Mireia c. Saladrigues ha centrado su práctica artística en el estudio del público, las vías de recepción y las condiciones a las que se expone el espectador, entrando de lleno en la investigación sobre la institución como espacio de producción social y el reflejo de la sociedad de control en la estructura artística. Recientemente ha realizado muestras individuales en el Espai 13 de la Fundación Joan Miró, el Espai Cultural Caja Madrid (Barcelona) y el Espai Guinovart (Agramunt). Su trabajo se ha visto en La Capella, Centre d’Art la Panera, Videonale.13, Loop, Museo Nacional de Fotografía de Copenhague, DIA Art Foundation, Capella de Sant Roc, Homesession, EspaiDos de la Sala Muncunill, Sala d’Art Jove, Museo de Arte de Pori y Kiasma.