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Este seminario, primer encuentro público que se realiza en el Museo en torno a María Blanchard, busca atraer la atención sobre su figura y realzar su valor como artista de las vanguardias de comienzos del siglo XX. Con motivo de la exposición que se desarrolla en el Museo hasta el próximo 25 de febrero, Eugenio Carmona, Carmen Bernárdez, María Dolores Jiménez-Blanco, Xon de Ros y María José Salazar presentarán los nuevos enfoques en torno a esta creadora y, con ello, en torno a las vanguardias históricas. La estructura de este debate reúne presentaciones concisas, buscando destacar los aspectos más relevantes en el trabajo de Blanchard.

María Blanchard (1881-1932), pionera en la formación de la vanguardia histórica, se distancia de los roles atribuidos a la mujer artista en el arranque de la modernidad. Blanchard no es un símbolo de la mujer moderna ni responde al prototipo de mujer conectada con los círculos vanguardistas. Sin embargo, su pintura representa uno de los casos más independientes y comprometidos con una noción de modernidad, concentrando en pocos años gran parte de las cualidades y controversias que rodean a la vanguardia en el primer tercio del siglo XX. Entre 1913-1919 realiza un cubismo cercano al ideal kantiano de la forma autónoma, rivalizando con Juan Gris en la redefinición del lenguaje cubista desde las reglas de la pintura, mientras que, entre 1919-1932, se suma al retorno al orden y a la construcción de una idea clásica del arte, no exenta de relaciones con el nacionalismo político y cultural.

Este seminario culmina un trabajo de investigación realizado en distintas fases y proyectos. De un lado, la publicación del catálogo razonado de la artista (Fundación Telefónica y Museo Reina Sofía, 2004); de otro, las exposiciones de este año en la Fundación Botín y en el Museo Reina Sofía.

Programa
18:00h. Eugenio Carmona. María Blanchard y la re-definición del cubismo
18:20h. Carmen Bernárdez. María Blanchard: agencia e historia
18:40h. Xon de Ros. La obra de María Blanchard en el contexto del primitivismo vanguardista
Descanso
19:15h. María Dolores Jiménez-Blanco. ¿Después del cubismo? La pintura de María Blanchard después de 1918
19:40h. María José Salazar. María Blanchard, la gran desconocida
20:00h. Mesa redonda con los participantes

Participantes
Carmen Bernárdez. Profesora titular en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense.
Eugenio Carmona Mato. Catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga.
María Dolores Jiménez-Blanco. Profesora titular en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense.
Xon de Ros. Profesora de Literatura Moderna Española en la Universidad de Oxford.
María José Salazar. Conservadora del Museo Reina Sofía y comisaria de la exposición.  

Fecha: 19 de diciembre de 2012
Hora: 18:00 h
Lugar: Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, Auditorio
Entrada: gratuita, hasta completar aforo

Esta tarde a las 19h tiene lugar en el CA2M la presentación del libro Arte actual. Lecturas para un espectador inquieto que, recogiendo el espíritu de los cursos de la Universidad Popular pretende ofrecer un conjunto de lecturas que sirvan de introducción a cualquier espectador con inquietud por acercarse al arte actual. En el coloquio que tendrá lugar durante la presentación, participará Estrella de Diego junto con los editores del proyecto Yayo Aznar y Pablo Martínez.

El libro recoge las aportaciones que desde el 2009 el centro ha generado a través de cursos como Mirar la guerra. Imágenes, arte y estudios visuales, Mirar el presente o ¿Qué nos cuentan los objetos? Prosa y poética del mundo cotidiano, y sobre todo las cuatro ediciones del curso Pero… ¿esto es arte?. Fiel al espíritu de su “Universidad Popular”, el libro supone un compendio de textos que sirven de introducción para acercarse al arte contemporáneo de una forma clara y directa al abordar los temas, propiciando el encuentro y el desarrollo de actitudes críticas.

A partir de un pensamiento que parte de los espacios que median entre las prácticas artísticas, las instituciones y los espectadores, este libro se dirige a un “espectador inquieto”, es decir, a un espectador que busca en las salas de los museos, en la red, en las calles, galerías y libros una experiencia inédita con el arte y la cultura. Frente a la noción de un espectador ignorante y pasivo, que ya el filósofo francés Jacques Rancière cuestionó en su libro El espectador emancipado, aquí se propone un espectador inquieto, es decir, un espectador que de alguna manera entienda que él también forma parte de la obra y que es capaz de completarla, matizarla, discutir y aprender con ella.

El libro se estructura, a partir de las aportaciones de los diferentes teóricos y artistas que participan, en cinco bloques temáticos que abordan los asuntos sobre los que el arte ha incidido en las últimas décadas: desde la posición del espectador a la crisis del sujeto; las cuestiones de género; el arte en un mundo global o las conexiones entre la estética y la política. Cada uno de estos bloques está precedido de un marco que introduce el tema, así como se completa con estudios de caso y aportaciones personales. También aparece un glosario, con el objetivo de facilitar la tarea al lector, así como entrevistas a artistas y al término de cada bloque un último capítulo sólo con imágenes para reforzar, alterar o contradecir el discurso de la palabra.

El libro ha sido editado por Yayo Aznar y Pablo Martínez e incluye contribuciones de Juan Vicente Aliaga, Yayo Aznar, Ferran Barenblit,Tania Bruguera, Fernanda Carvajal, María Cunillera, Nike Fakiner, Aurora Fernández Polanco, Dora García, Victoria Gil-Delgado, Carlos Granados, María Iñigo, Pedro Lasch, Rogelio López Cuenca, Pablo Martínez, María Ruido, Hito Steyerl, Francesc Torres y Jaime Vindel.

La Galería Fernando Pradilla cierra su temporada anual de exposiciones con la tercera edición del proyecto colectivo Lenguajes en papel, que una vez más vuelve a agrupar la obra de aquellos artistas que utilizan este material como soporte plástico o medio expresivo para la realización de su obra. Papel, cartón, cartulina, hojas de periódico, sirven de punto de partida al dibujo, al collage o a la pintura, para conseguir un resultado inmediato, sintético y esencial. La libertad y la desinhibición con la que el artista se expresa sobre este soporte dotan a la obra de frescura y versatilidad, ya sean en los temas recreados o en las soluciones plásticas empleadas. La exposición reúne el trabajo de 12 artistas españoles y latinoamericanos que desde lenguajes propios, y con el denominador común del soporte, aportan diferentes maneras creativas en el enfoque, la temática y la ejecución de sus obras.

La presencia de la figura humana, abordada desde ópticas distintas, se localiza en los trabajos de los artistas Fernando Alonso (Madrid, 1979), Alejandro Bombín (Madrid, 1985), Starsky Brines (Caracas, 1977), Juan Francisco Casas (Jaén, 1976), Salvador Díaz (México D.F., 1977), Mauro Piva (Sao Paulo, 1977), Carlos Salazar Arenas (Bogotá, 1973) y Diego Vallejo (Salamanca, 1986). Elementos compositivos como la línea, el color o el collage se hacen más evidentes en las propuestas de los artistas César Delgado (Madrid, 1961), Victoria Encinas (Madrid, 1962), Emilio Gañán (Plasencia, 1971) o Pipo Hernández (Telde, 1966).

Igualmente diversas son las técnicas empleadas por estos artistas: el bolígrafo, el óleo, la acuarela, el acrílico, el collage, el grafito o la tinta, se convierten en poderosos recursos para recrear sus temas esenciales; propuestas que van desde las lecturas críticas a la sociedad contemporánea, pasando por la recreación del arbitrio, el absurdo o el hedonismo, hasta los replanteamientos e indagaciones sobre la propia esencia pictórica y su léxico plástico.