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El reciente 40 aniversario de Del arte objetual al arte del concepto supone la ocasión idónea para analizar la trayectoria de un libro, en su 11ª edición, que es tanto historia como manifiesto de las nuevas prácticas artísticas en los años ‘70. Su autor, Simón Marchán Fiz, analiza en una conferencia magistral su aproximación metodológica a la historia del arte contemporáneo. Al día siguiente, una mesa redonda con Francisco Calvo Serraller, José Díaz Cuyás y Mari Carmen Ramírez revisa las relecturas de un estudio todavía relevante.

Del arte objetual al arte del concepto es uno de los trabajos clave en la historiografía del arte contemporáneo. El libro narra el marco histórico-social de las prácticas conceptuales desde un impulso teórico que convoca la semiótica, la fenomenología o el posestructuralismo para entender un arte concebido como medio de reflexión. Su publicación en 1972 lo relaciona con otros eventos de ese mismo año, determinantes en la redefinición del público, del arte y de sus instituciones, como la Documenta 5 de Kassel o los Encuentros de Pamplona. Del arte objetual al arte del concepto desarrolla en un recorrido internacional y panorámico, comparable al de Seis años: la desmaterialización del objeto artístico (1973) de Lucy Lippard, un nuevo vocabulario para entender el tránsito entre las vanguardias y la contemporaneidad.
Con este objetivo, el libro esboza dos vías de singular trascendencia. De un lado, cartografía la expansión del arte en una serie de etapas que transitan por el collage del cubismo, el ensamblaje del neodadá, el proceso del povera, minimal y fluxus hasta concluir en la crisis del objeto en tanto que un arte constituido como idea. De otro, propone la categorización de las prácticas conceptuales en tautológicas, centradas en la autorreferencialidad lingüística, las empírico-mediales, centradas en el proyecto, y las ideológicas, aquellas dirigidas a intervenir en el campo ampliado de lo político. Con esta última categoría, Marchán avanza la noción de crítica institucional, propuesta por Benjamin Buchloh años más tarde, así como la idea del conceptualismo periférico y antagónico, ampliada en la actualidad en importantes exposiciones e investigaciones de carácter global.
De la radicalidad del libro da cuenta el hecho de que ambas vías deriven en un claro desbordamiento del sistema artístico o, en palabras del autor, en la crisis del triángulo del arte. En conclusión, , este programa público, compuesto de dos actividades independientes pero complementarias, debate un texto fundacional, revisando a la vez sus orígenes y efectos.

Programa
Conferencia magistral
Edificio Nouvel, Auditorio 200
28 de febrero, 19h
Simón Marchán Fiz. Notas para una "parva Aesthetica" en torno a ciertos tópicos del arte actual
Presentación de libro
Edificio Nouvel, Auditorio 200
1 de marzo, 19h
Francisco Calvo Serraller, José Díaz Cuyás y Mari Carmen Ramírez, con la presencia del autor. Del arte objetual al arte del concepto (1972-2012)
Mesa redonda

Participantes
Simón Marchán Fiz es Catedrático de Estética y Teoría de las Artes en la Facultad de Filosofía de la UNED (Madrid). Ha publicado, entre otros muchos ensayos, Del arte objetual al arte del concepto (1972, 11ªedición, 2012), El descrédito de las vanguardias artísticas (1980), Contaminaciones figurativas: imágenes de la arquitectura y la ciudad como figuras de lo moderno (1987), La estética en la cultura moderna: de la Ilustración a la crisis del estructuralismo (1987), La historia del cubo: Miminal art y fenomenología (1994), La metáfora del cristal en las artes y en la arquitectura (2008) y La disolución del clasicismo y la construcción de lo moderno (2010).
Francisco Calvo Serraller es Catedrático de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid.
José Díaz Cuyás es profesor de Estética en la Universidad de La Laguna.
Mari Carmen Ramírez es conservadora de arte latinoamericano en el Museum of Fine Arts, Houston.

Fecha: 28 de febrero y 1 de marzo de 2013
Lugar: Nouvel, Auditorio 200
Hora: 19:00 h
Entrada: gratuita, hasta completar aforo(ambas actividades, independientes entre sí)

VirreinaLAB acoge Bye-Bye Kabul del fotoperiodista Guillermo Cervera, una exposición que ofrece una muestra de la intensa labor de documentación sobre la vida cotidiana de los civiles en situaciones de conflicto llevada a cabo por el fotógrafo en estas zonas.

La muestra consta de 49 fotografías tomadas a lo largo de cuatro años y constituye un documento de primer orden que, más allá de la noticia y del exotismo, nos revela la compleja geografía humana y social del Afganistán contemporáneo, en constante tensión entre tradición y modernidad.

Guillermo Cervera (Madrid, 1968) es un fotoperiodista independiente con más de 18 años de experiencia en la documentación de los conflictos armados y los problemas sociales para la prensa internacional. Su trayectoria profesional empieza en el periódico El Mundo en 1989 y, desde entonces, su trabajo lo ha llevado desde la primera línea de Bosnia en 1993 a los recientes levantamientos en Libia y El Cairo en 2011; de los campamentos de rebeldes en Chad a fotografiar la guerra de pandillas en Caracas (Venezuela) o el grupo separatista de los Tigres Tamiles durante la guerra civil de Sri Lanka. En 2008 viajó, por primera vez, a Afganistán, país invadido por la OTAN en 2001, que estaba sufriendo un alarmante resurgimiento de la insurgencia talibana. Desde entonces, Guillermo Cervera ha visitado Kabul unas ocho veces y su labor se ha desarrollado principalmente en la región de Peshawar, donde trabaja en proyectos a largo plazo sobre la vida cotidiana de los talibanes y la fuerza económica del mercado de armas occidentales. Gracias a sus guías locales, a su mimetización como miembro de la etnia pashtún y a un sentido del riesgo temerario, ha conseguido captar la esencia de una civilización contradictoria y plasmarla en algo tan sencillo y complicado como las instantáneas. Sus fotografías se publican regularmente en medios como The New York Times, The New Yorker, Newsweek, Marie Claire, El Mundo y La Vanguardia, en este último caso siempre acompañando artículos del corresponsal de guerra Plàcid Garcia-Planas. 

 A partir de hoy, 27 de febrero, se pueden vistar en el CAAC nuevas piezas de Carmen Laffón y Jordi Teixidor que pasan a formar parte de la Colección.

Por un lado se presentan tres obras depositadas en el CAAC por la artista Carmen Laffón (Sevilla, 1934), pertenecientes a la serie La Viña, y realizadas para su exposición individual de 2007 en la Abadía de Santo Domingo de Silos que auspició el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

En la primera sala se incluye una instalación que para su actual presentación ha sido enriquecida con nuevos elementos espaciales –como el muro y el basamento que configuran la obra– y por nuevas espuertas que se suman a las anteriores. El segundo espacio lo componen dos dibujos de gran formato de la misma serie, uno de los cuales ha sido depositado en este centro recientemente.

El trabajo de esta singular artista, esencial para comprender la introducción de la modernidad en el arte andaluz, está vitalmente relacionado con el paisaje y el viaje vinculado con el río Guadalquivir en su transcurrir entre Sevilla y Sanlúcar de Barrameda. Concretamente la serie La Viña se centra en esta última ciudad, en la zona de La Jara, donde la artista ha ido construyendo su propia viña, circundada por otras históricas, que modifica y transforma en un proceso continuado de reflexión que, de alguna manera, muestra una sensibilidad cercana aunque distinta al land art.

Por otro lado, se presenta la reciente donación del artista Jordi Teixidor (Valencia, 1941), cuya obra, tras una etapa de abstracción geométrica cercana al minimalismo, evolucionó hacia unos parámetros donde combina lo sensible y lo conceptual, la geometría y el gesto. Los elementos que utiliza para articular su discurso estético desde entonces son el color, la transparencia, la solidez y el equilibrio, junto a la geometría entendida como organización del espacio.

La relación entre pintura y poesía ha sido una constante en la intencionalidad de su trabajo. Aún cuando hay una diferencia de 12 años en la ejecución de las dos obras que se muestran, están unidas por la referencia a la poesía, como subrayan los títulos de las mismas.

Siete maneras de mirar una mañana de domingo, realizado de manera que pudiera representar la secuencia o cadencia de un verso, hace referencia al poeta norteamericano Wallace Stevens, que se interesó y escribió frecuentemente sobre la relación que pueden establecerse entre las dos maneras de creación. El título se construye con los de dos poemas suyos: Mañana de Domingo y Trece formas de mirar a un mirlo. Wallace Stevens tenía como tema la poesía misma, como en esta obra de Teixidor el tema no es otro que la propia pintura.

Todo es presagio toma el título de un verso de Antonio Gamoneda, perteneciente al libro Arden las pérdidas, en el que nos habla del olvido, de la desaparición de los limites y de la posibilidad de acercarse a la luz desde la misma oscuridad. Este tema y la utilización del negro con su significación como posición testimonial predominan en las obras de este periodo.