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Bajo el lema ‘Avaritia omnium malorum radix’ (‘El origen de todos los males es la avaricia’), el Patronat Martínez Guerricabeitia de la Fundació General de la Universitat de València celebra en 2014 la duodécima edición de su Bienal. La exposición podrá visitarse en el Centre Cultural La Nau de la Universitat de Valencia hasta el 30 de marzo.

Como en anteriores ediciones, la Bienal cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Valencia y el patrocinio de Banco Santander, a través de la División Santander Universidades, y de la Fundación Cruzcampo del Grupo Heineken. También colabora el Instituto Valenciano de Cinematografía (IVAC)-La Filmoteca, con quien se realiza un ciclo de cine.

Concebida como un calidoscopio para ver las últimas tendencias de la creación, esta edición destaca por dos motivos. En primer lugar, la Bienal coincide con la conmemoración del 25 aniversario de la fundación del Patronat (1989-2014), por iniciativa de la familia de Jesús Martínez Guerricabeitia.

La Bienal vuelve a ubicarse en la Universitat de València, como en las dos primeras ediciones. Aprovechando que la Bienal ya es un clásico consolidado del arte contemporáneo en la ciudad (12 ediciones y, por tanto, 24 años) y que el Centre Cultural La Nau dispone de un nuevo espacio expositivo, la Sala Acadèmia, la muestra regresa en esta ocasión a la Universitat de València.

Pensada para incentivar la creatividad de jóvenes artistas y aumentar a su vez el patrimonio artístico de la Universitat de València (tras la celebración de la misma la institución suele adquirir alguna de las obras expuestas), en la edición de este año el lema elegido es la avaricia, explica el director de actividades y comisario de la exposición, José Pedro Martínez: “Considerando que la situación de crisis económica no había mejorado sustancialmente, pese a los repetidos mensajes en sentido contrario, nos decantamos por este tema”, adaptando para ello una sentencia de San Pablo, popularizada por San Agustín en ‘De Libero Arbitrio’, dejando a un lado cualquier connotación de tipo religioso, teniendo en cuenta quién divulgó la sentencia.  

La Térmica presenta, bajo el comisariado de Mario Martín Pareja, la muestra Bowie Series del fotógrafo y británico Duffy (Reino Unido, 1933-2010), el hombre que cambió el rostro de la fotografía británica y europea. Para su concepción se ha contado con la inestimable colaboración de Chris Duffy, hijo del artista.

Esta exposición supone el redescubrimiento de las imágenes del genio fotográfico Brian Duffy, quien convirtió mediante su fotografía a los mitos de su época en imágenes clásicas de la historia de esta disciplina. Y al mismo tiempo que su obra es ya un icono, cruza la línea entre la captura de la realidad y la producción de Arte.

Entre esos mitos fotografiados se encuentra el genio musical David Bowie. Las Bowie Series de Duffy reúnen una colección única de más de treinta imágenes tomadas durante las cinco sesiones fotográficas de Duffy con la estrella musical David Bowie. Esta muestra coincide con la itinerancia en Sao Paolo (Brasil) de la exposición David Bowie Is que ha organizado el Victoria & Albert Museum de Londres en mayo de 2013.

La exposición muestra la especial relación de Duffy con el músico a lo largo de casi una década e incluye las fotografías pertenecientes a las tres portadas de los álbumes creadas por Duffy: “Aladdin Sane” (1973), “Scary Monsters” (1979) y “The Lodger” (1979); las sesiones denominadas "Ziggy Stardust" (1972) y "White Sands" (1975); fotografías adicionales del set de rodaje del film dirigido por Nick Roeg “The Man Who Fell to Earth” (1976); así como fotografías del backstage de dichas sesiones y documentos personales del fotógrafo.

Estas imágenes que documentan el ascenso de la carrera de Bowie, se ven complementadas con una serie de retratos nunca vistos de aquellos cercanos a la estrella, entre los que destacan los de los miembros de la banda The Spiders from Mars y Pierre La Roche, el maquillador en “Aladdin Sane”; y el extracto del documental que la BBC realizó sobre el artista antes de morir (“The Man Who Shot The Sixties”) en el que Duffy habla de su relación con Bowie.

La galería Pilar Serra presenta Construyendo en las ruinas, una exposición de Darío Urzay, que podrá vistarse hasta el próximo 5 de abril. 

En 2003 Darío Urzay (Bilbao, 1958) expuso por primera vez en la Galería Estiarte (hoy Galería Pilar Serra) una treintena de pinturas sobre papel, la serie Ae-mol, que mostraban su preocupación por la hibridación de procesos y conceptos, explorando nuevas posibilidades de codificar pictóricamente, alternando procesos digitales de estampación con pintura diluida y estratificada, dando lugar a imágenes que podían sugerir estructuras moleculares,

Cuatro años más tarde expuso un proyecto realizado a partir de una acción sobre el paisaje de La Rioja, que llevó a cabo mediante vídeos, esculturas, fotografías y dibujos que mostraron su interés por la superposición y elaboración de procesos, conceptos, técnicas y procedimientos plásticos para una pintura expandida en esta ocasión sobre la geografía y la topografía.

Técnicamente innovador, combina la pintura sin pincel, la fotografía y las distorsiones digitales, su actitud ante la pintura es experimental, sus cuadros no son los lugares de la representación, sino el territorio donde actúa la pintura, en sus obras suele dispersar y disolver barnices transparentes, dando a la superficie una capa de resina con la que consigue un acabado brillante que provoca una actitud muy interactiva en el espectador.

En Phaistos (2011) parte de imágenes y datos originales recopilados por él de lo que queda de esta ciudad cretense, y los introduce en el ordenador donde, procesados a través de algoritmos y programas especializados, provocan resultados que posteriormente serán reformulados creando un mundo paralelo, una realidad hipotética en una particular reinterpretación de la ruina, que presenta de una forma indisoluble naturaleza y construcción. Estas pinturas anteriores estaban basadas en un referente cultural, cuya estructura como objeto-edificio pertenecía al pasado ( y sólo existe la posibilidad de imaginarlo ) y como objeto-ruina pertenece al presente. A través de Phaistos sigue explorando las múltiples facetas de los elementos construidos, y en lo que hasta ahora es su última serie de pinturas, en la exposición que ahora inauguramos Construyendo en las ruinas su mundo cotidiano aparece en ese juego por promover contradicciones y duplicar significados.

Mediante pigmentos y resinas comienza interactuando con los pequeños bloques de plástico, los disuelve, los funde con la pintura el resultado de la operación es cambiando de escala al ser trasvasado fotográficamente al soporte pictórico. Podríamos decir que las pinturas se originan en el espacio de los eventos reales y se continúan en un espacio de eventos imaginables. El punto de partida se produce en la maqueta de una estructura, que va a sufrir el devenir del tiempo, y que a través de un cambio de dimensión, va a ir construyendo una imagen como metáfora.