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La Fábrica presenta la muestra Anatomías Distantes que pone en diálogo las propuestas de los fotógrafos Ochi Reyes (1974, Madrid) y Javier Marquerie Thomas (1986, Madrid). Ambos trabajos, Mother y Los barros del Monje posan una mirada activa y anatómica sobre realidades distintas: los objetos de su madre en el caso de Ochi y los campos de Castilla en el de Marquerie. Escenarios frente a los que los autores soportan necesariamente la experiencia del duelo, un estado paradójico en el que la relación con lo que se ha perdido fluctúa entre cercanía y distancia. Aquí es donde sus actos fotográficos corren en paralelo a esta experiencia, generando imágenes en las que casi desaparece el referente fotografiado mutando en imágenes de sugerentes presencias.

La serie Mother de Ochi Reyes es un retrato de la ausencia. La autora se rodeó de las cosas que su madre había dejado tras su muerte y lo fotografió todo. En esa búsqueda utilizó diferentes lentes para acercarse aún más a los objetos fotografiados, hasta finalmente servirse de un microscopio a través del cual el referente desaparece en lo que parece ser una serie de paisajes desiertos y abstractos. Un trabajo que más allá del proceso personal original, pretende reflejar la ansiedad que las fotografías producen debido a que el referente a la vez está y no está ahí. Las fotografías nos traen recuerdos pero estos no son la realidad.

Los Barros del Monje de Javier Marquerie Thomas toma prestado el nombre de la finca de su familia. Allí están los paisajes donde sus miembros crecieron, que rebosan munición y metralla procedente de la Batalla de Brunete y que su tío ha ido coleccionando durante largos paseos con la ayuda de un detector de metales. La combinación de estos restos ha devenido en bodegones que Marquerie fotografía como reliquias entre los que brotaron las raíces de su genealogía. Los Barros del Monje es una historia micro-épica, una lucha por la ideología política de soldados de todo el mundo, los campos de Castilla, los campos de batalla. Una lucha frente al desgaste de la memoria de una familia reflejado en el de un país. Una historia en una Historia.

El Museo Reina Sofía presenta un programa audiovisual dedicado al Black Audio Film Collective (BAFC), uno de los colectivos de cineastas más relevantes en la producción audiovisual de las últimas décadas. Se trata de una ocasión única de ver el trabajo de estos creadores, ya que sólo en contadas ocasiones se han proyectado películas suyas en nuestro país.

Activo en Inglaterra desde principios de los ochenta, los componentes del colectivo son John Akomfrah, Lina Gopaul, Avril Johnson, Reece Auguiste, Trevor Mathison, David Lawson y Edward George. Su andadura comienza en el contexto de las luchas identitarias de la comunidad negra en la Inglaterra de Margaret Thatcher. Detrás de ellos no sólo se encuentra la transformación del imaginario audiovisual, sino también la creación de una nueva cultura pública basada en la diferencia. Su cine, planteado desde las disonancias y los fragmentos, se refiere a esta posición de hablar desde un afuera, buscar un espacio para lo irrepresentable. Este programa está relacionado con la exposición que actualmente se puede visitar en al Palacio de Velázquez del Retiro sobre Kerry James Marshall, artista que aborda los estereotipos y vacíos en la representación de la cultura afroamericana.

El Black Audio Film Collective puso en práctica un cine basado en la construcción de una identidad subalterna, la de la diáspora africana, tratada desde la remezcla, el archivo y la conciencia crítica contra el proceso neoliberal. Entre 1982 y 1998 firmaron colectivamente películas y vídeos pero también trabajaron la fotografía, el cartel, escribieron ensayo, dieron conferencias, programaron proyecciones e impartieron seminarios, en los distintos locales que tuvieron como sede en Londres, en un intento radical de producir instituciones y educación en torno a una cultura fílmica de la diferencia.

Sus trabajos han recibido numerosos premios y han sido proyectados en instituciones como The Whitechapel Gallery (Londres), Anthology Film Achives (Nueva York), Smithsonian Museum of Modern Art Contemporary Art (Washington D.C.), Tate Gallery (Londres), The Whitney Museum of American Art (Nueva York), así como en festivales de cine y acontecimientos como Documenta 10 y 11.  

La Biblioteca Nacional de España, en colaboración con el Instituto Camões y la Embajada portuguesa, presenta la exposición Fernão Mendes Pinto: 13 veces cautivo y 17 vendido. Cuatrocientos años después de la primera edición de esta obra, se mostrará en diferentes lenguas, así como un manuscrito de Antonio Enríquez Gomez (1600-1663), inspirada en la figura y peripecias del aventurero. 

Mendes Pinto (1509-1583, Portugal), se embarcó hacia Asia en 1537 como jesuita. En sus viajes vivió mil experiencias como pirata, embajador, comerciante e, incluso, prisionero. Cuando regresó a Lisboa, comenzó a escribir la que sería su única obra, Peregrinação, publicada de forma póstuma en 1614. En ella, hay información detallada sobre la dimensión económica, geopolítica, religiosa y cultural del mundo asiático, lo que la convirtió en una referencia para comerciantes, diplomáticos exploradores del siglo XVII. A día de hoy, Peregrinação, continúa sorprendiendo por los diferentes estilos literarios que conjuga y por sus relatos que reflejan las inquietudes, esperanzas y visiones de un hombre de su siglo.

Esta exposición se enmarca dentro del programa “Personajes con energía” que pertenece al taller E2 = educación + energía, fruto de la colaboración entre la Biblioteca Nacional de España y Fundación Repsol que pretende, a través de la vida y obra de autores, artistas, escritores y científicos, como Mendes Pinto, contribuir al avance del conocimiento en diferentes ámbitos.

Además, junto a la muestra, se ofrecerán actividades infantiles como Barco Pirata, para niños de 8 a 11 años, el espectáculo de títeres Viajando con Violeta: destino India, de la compañía portuguesa de Ângela Ribeiro, previsto para los días 12 y 13 de julio, que se complementa con un taller de fabricación de marionetas. Para los mayores, el taller de ilustración Diarios gráficos, de Richard Cámara, para jóvenes desde 15 años y adultos.